Jahresprogramm 2016

Tanya Aspelmeier studierte Gesang in den Sparten Lied, Oratorium und Oper an der Musik­hoch­schule Hamburg, wo sie ihr Konzert­examen und Opern­diplom mit Auszeichnung ablegte. Ein Studien­aufenthalt in Annecy, Frankreich festigte ihre besondere Bindung zu dem französischen Repertoire.

Sie gewann einige Preise renommierter Gesangs­wett­bewerbe und verkörperte zahlreiche Opern­partien. Ihr Repertoire spannt einen Bogen von der Barock­oper über die Operette bis zum zeit­genössischen Musiktheater und schließt die gängigen Oratoriums­partien ihres Faches sowie eine Reihe von Lied­programmen ein.

Gastengagements führten sie an das Oldenburger Staatstheater, das Theater Bremen, die Oper Bonn, die Hamburgische Staatsoper, das Teatro Real Madrid u. a., sowie auf renommierte Festivals wie Baden-Baden, Bayreuth, La-Chaise-Dieu, die Göttinger Händel­festspiele, Ribeauvillé, die Salzburger Festspiele, Saintes, Tokio etc. Tanya Aspelmeier tritt in Europa, Asien, Australien und Südamerika auf und arbeitet mit führenden Ensembles unter Dirigenten wie Frieder Bernius, Ivor Bolton, Thomas Hengelbrock, Konrad Junghänel, Francoise Lasserre oder Ingo Metzmacher. Sie unterrichtet auf internationalen Meister­kursen sowie an der Hochschule für Künste Bremen und am Hamburger Konservatorium. Die CD ›Bach, Lotti, Zelenka‹ (unter der Leitung von Thomas Hengelbrock), bei der sie als Solistin mitwirkte, erhielt 2010 den Gramophone Award. Im Wagnerjahr 2013 debütierte sie als Solistin in Wagners ›Parsifal‹ in Dortmund, Essen und Madrid.
 

Das 1996 von befreundeten Musikern um Eva Schad gegründete Ensemble La Bergamasca konzertiert regelmäßig unter anderem im Rahmen der jährlichen Tage Alter Musik an der Christuskirche. Mit zwei Violinen, Gambe und Cembalo entspricht die Besetzung idealtypisch der barocken Triosonate.

Der Geiger Martin Jopp studierte in Stuttgart und Würzburg (Barockvioline bei Gottfried von der Goltz). Er ist Konzertmeister des Main-Barockorchesters Frankfurt und spielt regelmäßig im L’Orfeo Barockorchester, im Barockorchester Stuttgart und im Freiburger Barockorchester. Seine Violine ist ein Original­instrument von Jacobus Stainer (ca. 1650).

Der Zinkenist und Dirigent Arno Paduch studierte Musik­wissenschaft in Frankfurt am Main und anschließend Zink und historische Aufführungs­praxis an der Schola Cantorum Baseliensis in Basel (Schweiz). Er konzertiert regelmäßig mit renommierten Ensembles für Alte Musik in Deutschland und im europäischen Ausland, wirkt bei Rundfunk- und Fernseh­aufnahmen mit und hat mittler­weile an über 80 CD-Produktionen teilgenommen. Seit 1992 ist er Dozent für Zink und Ensemblemusik an der Abteilung für Alte Musik der Musik­hochschule in Leipzig. Dort gründete er 1995 das Johann Rosenmüller Ensemble, das inzwischen den Mittel­punkt seiner musikalischen Arbeit bildet.

Anette Sichelschmidt studierte moderne Violine an der Hochschule der Künste Berlin mit künstlerischem und pädagogischem Abschluss. Bei Sigiswald Kuijken und Thomas Albert spezialisierte sie sich anschließend auf die Barockviuoline. Seit 1982 ist sie international als Barock­geigerin tätig und arbeitet mit zahlreichen renommierten Ensembles zusammen, u. a. ›Musica Fiata‹, ›Cantus Cölln‹, ›Das Kleine Konzert‹, ›Johann Rosenmüller Ensemble‹, ›Weserrenaissance‹, ›La Chapelle Royale‹, ›La Petite Bande‹, ›Les Arts Florissants‹. Sie ist Konzertmeisterin der Orchester ›Bremer Ratsmusik‹ und ›Handel’s Company‹, unterrichtet auf Kursen für Barockmusik und hat bei weit über hundert CD- Produktionen mitgewirkt.

Der 1994 gegründete Bremerhavener Kammerchor besteht aus 29 geschulten Sängerinnen und Sängern. Das Ensemble widmet sich der A-capella-Musik aller Epochen sowie oratorischer Chorwerke des 17. und 18. Jahrhunderts. Chorreisen führten u. a. nach Florenz, Rom, Berlin, Sachsen und Madrid.
 

Die fünfstimmige ›Choralpassion‹ ist ein bedeutendes geistliches Chorwerk a cappella des deutschen Komponisten und Kirchenmusikers Hugo Distler. Es stammt aus dem Jahre 1932 und wurde am 29. März 1933 in Berlin mit dem Bach-Chor unter der Leitung von Wolfgang Riemann uraufgeführt. Distler selbst schreibt: »Der Gedanke einer Darstellung der Passions­geschichte in zeitgemäßer Gewandung, doch im Geist der alten durch Schütz zu herrlicher Vollendung geführten a-cappella-Passion, die in der Verwendung der Mittel sich zugunsten einer volkhaften, allgemein­verständlichen und ebenso eindringlichen Sprache befleißigt: dieser Gedanke war es, der die Entstehung der vorliegenden a-cappella-Passion veranlasste.« Die Komposition folgt den sieben Strophen des Chorals: ›Jesu, deine Passion will ich jetzt bedenken‹: vom Einzug über ›Judas und der Pharisäer Rat‹, ›Das Abendmahl‹, ›Gethsemane‹, ›Kaiphas‹, ›Pilatus‹ bis hin zu ›Golgatha‹, der Hinrichtungsstätte Jesu.

Sopran: Charlotte Isbahner

Querflöte: Martina Voppel-Isbahner

Als die europäischen ›Conquistadores‹ Ende des 15. Jahrhunderts in der Karibik landeten, um sich den amerikanischen Kontinent zu eigen zu machen, markierte dies den Anbruch eines neuen Zeit­alters. Sein grausamer Beginn führte zur Auslöschung ganzer Völker und Vernichtung unwieder­bringlichen Kultur­gutes. Trotz allem lassen sich aber noch einige Spuren der indigenen Musizier­praxis aufnehmen. Denn sie vermengte sich mit der Musik, die die Europäer aus der ›Alten Welt‹ mitbrachten, und mit der Kultur der später aus Afrika verschleppten Sklaven. Als Rück­kehrer die Musik Südamerikas wiederum nach Europa trugen, hatte sie auch hier große Auswirkungen, besonders auf die iberische Halbinsel und die damals unter spanischer Herrschaft stehenden Niederlande und Neapel. Dieses Programm zeigt einen farben­prächtigen Querschnitt durch mehrere hundert Jahre Kultur- und Musikgeschichte.

Das Ensemble Los Temperamentos wurde 2009 von Absolventen der Hochschule für Künste Bremen gegründet und beschäftigt sich vorrangig mit der Musik des 17. und 18. Jahrhunderts. Die Künstler stammen aus Ungarn, Deutschland, Mexiko und Kolumbien und setzen sich daher in besonderer Weise mit den inter­kontinentalen Beziehungen auseinander, die zwischen der europäischen und latein­amerikanischen Gesellschaft bis heute nicht nur auf politischer, sondern auch auf musikalischer Ebene existieren. In ihren Interpretationen kombinieren die Musiker die vielfältigen Stil­richtungen ihres jeweiligen kulturellen Erbes, bringen ihre verschiedenen Charaktere mit ein und zeigen so den großen Farben­reichtum der ›Alten Musik‹. Das Ensemble beweist, dass Barock­musik aktuell und lebendig ist. Nach dem Debütalbum ›De la Conquista y otros Demonios‹, welches u. a. vom NDR exzellent rezensiert wurde, erscheint im Sommer 2015 die zweite CD ›El Galeón 1600‹.

Bereits 1836 las Mendelssohn einem Freund Passagen aus dem biblischen Elias-Bericht im 1. Buch der Könige vor. Mendelssohn war von der Gestalt des Elias fasziniert und wünschte sich auch für die eigene Zeit einen derartigen Propheten, »stark, eifrig, auch wohl bös und zornig und finster«. Die erste konkrete Ankündigung Mendelssohns, dass er eine Vertonung des Elias-Stoffes plane, findet sich in einem Brief, den er 1837 seinem Jugendfreund Karl Klingemann schrieb. Zusammen mit diesem entwarf er noch im Sommer desselben Jahres innerhalb von zwei Wochen ein Szenarium für den Elias.

Der ›Elias‹ gab Mendelssohn die Möglichkeit zur Komposition von »recht dicken, schweren und vollen Chören«; dies auch im Hinblick auf die erstarkten Singvereine, die nicht selten Hunderte von Sängern umfassten. Der Chor nimmt als Volk Israel, Baals­priesterschaft bzw. Chor der Seraphim an der Handlung teil.

Zunächst ruhte die Arbeit jedoch, bis Mendelssohn im Juni 1845 den Auftrag annahm, ein neues Oratorium für das Musik­festival in Birmingham zu komponieren. Am 26. August 1846 wurde das Werk im Rahmen des Birmingham Music Festivals uraufgeführt. Vom englischen Königshof wurde Mendelssohn als ›Elias der neuen Kunst‹ gefeiert. Die erste deutsch­sprachige Aufführung fand am 29. August 1847 in Köln statt.
 

Sibylle Fischer
 erhielt ihre Gesangs­ausbildung an den Hochschulen für Musik und Theater Hannover und Hamburg. Sie schloss ihr Studium in Hamburg in den Fächern Lied und Oratorium sowie Oper mit Auszeichnung ab. Meister­kurse bei Norman Shetler, Victoria de los Angeles, Harry Kupfer, Kurt Widmer und Klesie Kelly folgten. Sie war Stipendiatin der Accademia Chigiana di Siena (1997), Preis­trägerin des Meistersänger­wettbewerbs Nürnberg (1997) und des Wettbewerbs der Elise–Meyer–Stiftung (1998). Schon während ihres Studiums widmete sich die Sängerin der Gestaltung von Oratoriums­partien, bis heute stellt dies einen Schwerpunkt in ihrem künstlerischen Schaffen dar.

Von 2000 bis 2004 war die Sängerin Ensemble­mitglied des Theater Aachen. Dort sang sie zunächst Mezzoso­pranpartien wie Prinz Orlofsky, Cherubino, Dorabella, Hänsel, die Titelpartie in Händels Xerxes und schließlich als Sopran die Marie in A. Bergs Wozzeck  sowie Uraufführungen von K. Lang (Die Perser) und H. Oehring (Wozzeck – kehrt zurück). Darüber hinaus gastierte sie in diesen Jahren an verschiedenen deutschen Bühnen (Kiel, Weimar, Heilbronn, Magdeburg, Flensburg), 2006 als Fiordiligi in Mozarts Cosi fan tutte bei der Kammeroper Frankfurt. Im September 2013 sang sie die Concepcion in L’ heure espagnole von M. Ravel und Alison in The Wandering Scholar von G. Holst in einem Operndoppelabend der Young Opera Company in Freiburg/Breisgau. Im Mai 2013 war die Sopranistin als Gutrune in der Götter­dämmerung von R. Wagner bei den Richard-Wagner-Festtagen der Stadt Leipzig zu Gast. Beide Produktionen wurden von der Fachpresse zum Teil frenetisch besprochen.

Wichtige Projekte der letzten Zeit waren eine CD-Produktion mit Liedern von E.  W. Korngold, unter anderem den bedeutenden Liedern des Abschieds (Naxos), zusammen mit dem Pianisten Klaus Simon, die Gestaltung der Sopran­partie im War-Requiem von B. Britten sowie in der Oper Kein Ort. Nirgends von Anno Schreier die Partie der Karoline von Günderrode. Im Juni 2010 interpretierte sie zusammen mit dem Jakobsplatz­orchester in München die Orchester­lieder op. 8 von Arnold Schönberg. Im Rahmen der Sail 2010 in Bremerhaven gestaltete sie den Orchster­lieder­zyklus Sea Pictures von E. Elgar, im Herbst 2010 Rückert-Lieder von G. Mahler mit der Kammer-Sinfonie Bremen.

Von der Berliner Opern­kompanie Novoflot wurde sie für die dreiteilige Opernsaga Kommander Kobayashi engagiert, die in den Jahren 2005–2007 Kurz­opern diverser bedeutender zeitgenössischer KomponistInnen wie H. Oehring, M. Eggert, A. Gryka und K. Lang zur Uraufführung brachte. Mit diesen Produktionen gastierte die Sängerin an der Hamburgischen Staatsoper, den Sophiensaelen in Berlin, dem Teatr Wielki in Warschau, dem Theatre National du Luxembourg sowie dem Trafo in Budapest. Mit dem Ensemble Avantgarde und Deutschland Radio Kultur gestaltete sie im Juni 2006 im Gewandhaus zu Leipzig einen Kammer­musik­abend mit Werken von H. Eisler, im selben Jahr sang sie in Leipzig Hölderlin­vertonungen von W. Rihm, G. Ligeti und H. Eisler. Sie war bei diversen Festivals zu Gast, u. a. bei Ultraschall 2005, Opernfestival Engadin 2005, MDR-Musiksommer 2006, Warschauer Herbst 2006, Maerz-Musik 2007 mit dem RSO Berlin und den Wernigeröder Schloss­fest­spielen 2009.
 

1, 2, 3, 4, Paul, 6, 7: Aufregung in der Pinguin­schule. Es war doch schon immer so. Wer zuerst schlüpfte, war 1, der nächste 2 und so fort. Wer braucht denn einen Namen? Paul braucht einen Namen! Er möchte mehr sein als Nummer 5. Und er träumt von bunten Farben, von einer Welt, die nicht nur aus weiß, schwarz und grau besteht. Als sein Vater in der Zeitung eine Anzeige entdeckt, in der ein 1A-Pinguin-Job angeboten wird, steht Pauls Entschluss fest: Er nimmt den nächsten Albatros nach Hawaii.

So bunt wie die Farben, nach denen Paul sich sehnt, ist die Musik dieses wunderbaren Stückes: Pop, Rock, Ballade, Rumba, Zoo-Zirkus-Marsch, Tango und viel Happy-Hawaii-Feeling.
 

1, 2, 3, 4, Paul, 6, 7: Aufregung in der Pinguin­schule. Es war doch schon immer so. Wer zuerst schlüpfte, war 1, der nächste 2 und so fort. Wer braucht denn einen Namen? Paul braucht einen Namen! Er möchte mehr sein als Nummer 5. Und er träumt von bunten Farben, von einer Welt, die nicht nur aus weiß, schwarz und grau besteht. Als sein Vater in der Zeitung eine Anzeige entdeckt, in der ein 1A-Pinguin-Job angeboten wird, steht Pauls Entschluss fest: Er nimmt den nächsten Albatros nach Hawaii.

So bunt wie die Farben, nach denen Paul sich sehnt, ist die Musik dieses wunderbaren Stückes: Pop, Rock, Ballade, Rumba, Zoo-Zirkus-Marsch, Tango und viel Happy-Hawaii-Feeling.
 

Anmeldung bei:
Eva Schad, Wilhelm-Brandes-Straße 2, 27570 Bremerhaven
Tel.: 0471-200 290; kreiskantorin@gmx.de
(Bitte unbedingt bis zum 1.9. mitteilen, wer nicht am Essen teilnehmen möchte oder vegetarisch essen möchte!)

Teilnahmegebühr: € 30,– (im Bus zu bezahlen, erm. Preise für Jugendliche nach Anfrage)
Die Teilnahmegebühr beinhaltet die Orgel­vorstellungen, das Konzert in der Christuskirche (s. u.) und die Busfahrt; das Mittagessen ist vor Ort selbst zu bezahlen.
 

Auch 2016 bietet die Christus­kirchen­gemeinde im Herbst eine ›Orgel­exkursion per Bus‹ an. Die Exkursion beginnt um 10.30 Uhr am Parkplatz Frühlings­straße hinter dem Haupt­bahnhof Bremerhaven und führt zu wichtigen historischen Orgeln der Region. Kreiskantorin Eva Schad stellt die Orgeln aus den verschiedenen Zeiten mit Klang­beispielen vor und erklärt die Unterschiede der verschiedenen Instrumente.

Den krönenden Abschluss bildet um 18.00 Uhr ein Improvsiations­konzert mit dem Großmeister der sinfonischen Orgelimprovisation, Wolfgang Seifen.

Wolfgang Seifen war von 1983 bis 2000 Organist an der Päpstlichen Marienbasilika zu Kevelaer. Parallel leitete er 1989 bis 1992 die Orgel­klasse für Improvisation und Liturgisches Orgelspiel an der Hochschule für Musik und Darstellende Kunst in Stuttgart. Von 1992 bis 2000 hatte er die gleicher Funktion an der Robert-Schumann-Hochschule in Düsseldorf, wo er 1995 zum Honorar­professor ernannt wurde. Seit Oktober 2000 ist er Professor für Improvisation und Liturgisches Orgelspiel an der Universität der Künste in Berlin. Seit 2003 ist er zweiter Vorsitzender der ›Konferenz der Leiter katholischer Ausbildungs­stätten für Kirchenmusik in Deutschland‹. 2004 wurde er zum Titular­organisten an der Kaiser-Wilhelm-Gedächtnis-Kirche in Berlin berufen und ist dort künstlerischer Leiter des Internationalen Orgel­improvisations­festivals Berlin und der Orgel­konzert­reihe Meister­konzerte Berlin. Er hat Veröffent­lichungen über Orgelbau und Orgel­improvisation herausgegeben und zahlreiche Kompositionen für Chor, Orgel sowie Kammer­musik geschrieben. Ferner zeichnet er sich aus durch etliche Rundfunk- und Fernseh­produktionen und CD-Einspielungen mit Orgelimprovisation.

»Auf der Suche nach der eigenen Ur-Melodie, der Musik, die jeder Mensch in seinem Innern hört, entsteht meine Musik. Das Schöne am Leben ist, dass die wirklich wichtigen Dinge geschenkt sind, wie Musik, Liebe und das Leben selbst. Deshalb sollten wir diese Geschenke so oft wie möglich empfangen und genießen«, ist die Devise von Hans-Martin Limberg.
Der 1961 in Münster Geborene ist seit 1986 freischaffender Musiker. Seitdem hat er Filmmusiken für den WDR, aber auch zahlreiche Kompositionen für Chor, Orgel und Klavier sowie für Saxofon und Orgel geschrieben. Seit 1996 gibt er Orgelkonzerte mit Eigen­kompositionen sowie Konzerte als Jazzpianist.

Jochen Welle, 1956 ebenfalls in Münster geboren, ist seit 1980 professioneller Schlagzeuger im Jazz-, Big-Band-, Rock-, Blues- und Popbereich. Er nahm nicht nur zahlreiche Platten auf, sondern hatte unter anderem auch Auftritte im Rundfunk und Fernsehen. Etliche Tourneen führten ihn in Länder wie Russland, Spanien, Italien, Frankreich oder Argentinien. Als Schlagzeug­dozent ist er seit 1982 an der Musikschule Dülmen sowie seit 1986 an der Musikschule Steinfurt tätig, wo er Begründer der dortigen Schlagzeug­klassen ist.

Die ungewöhnliche Kombination von Orgel und Drums bietet ein Klangerlebnis voller Überraschungen und neuer Hörerfahrungen. Hans-Martin Limberg versteht es, musikalische Spannung aufzubauen, mit der er seine Hörer in den Sog der Musik zieht. Seine Eigen­kompositionen hat er zum Teil mit Jochen Welle kreiert, so dass sehr viel Freiraum für Improvisation bleibt.

›Orpheus und Eurydike‹ ist eine Oper in drei Akten, die die Geschichte des Sängers Orpheus aus der griechischen Mythologie erzählt. Die Musik stammt von Christoph Willibald Gluck, das Libretto von Ranieri de’ Calzabigi. 150 Jahre zuvor hatte Claudio Monteverdi mit L’Orfeo (also einer Vertonung des desselben Stoff) eine der ersten schriftlich über­lieferten Opern geschaffen. Die Uraufführung fand am 5. Oktober 1762 in Wien bzw. am 2. August 1774 in Paris statt.

An vielen Merkmalen zeigt sich die Reform, die Gluck der Oper angedeihen ließ: Anstelle von Secco-Rezitativen, die nur vom Generalbass gestützt werden, benutzt der Komponist durchgängig ›Accompagnati‹, also vom ganzen Streich­orchester begleitete Rezitative, die in der ›opera seria‹ nur in besonderen Momenten verwendet wurden. Die Arien haben nicht mehr die bis dahin üblichen Da-capo-Form, sondern folgen formal der Dramaturgie des Textes.

Die bekanntesten Stücke aus der Oper sind die Ouvertüre, der ›Reigen seliger Geister‹, eine Ballett­nummer im zweiten Akt, und das Klagelied des Orpheus aus dem dritten Akt, ›Ach, ich habe sie verloren‹. Der Part des Orpheus, der von Gluck für einen Kastraten vorgesehen war, wird heute von einer Altistin oder von einem männlichen Alt (Countertenor) gesungen.

Bis auf den ins Positive gewendeten Schluss folgt die Handlung dem antiken Mythos: Gemeinsam mit Hirten beweint Orpheus am Grab der Eurydike deren Verlust. Als er die Götter um Gnade bittet, erscheint Amor, der Liebesgott, mit der Nachricht, dass Zeus dem Sänger den Abstieg zum Hades erlaube: Wenn es ihm gelingt, die Furien dort mit seinem Gesang zu rühren, darf er Eurydike wieder zu den Lebenden zurück­führen, unter der Bedingung, dass er sich beim Rückweg nicht zu ihr umsieht. Orpheus dankt, nimmt seine Leier und macht sich auf den Weg.

Dem Sänger gelingt es erst durch hart­näckiges Spielen und Singen, die Wächter des Hades zu besänftigen, die ihn zunächst zurück­weisen, dann aber doch einlassen. Orpheus betritt das Elysium, die Heiterkeit der seligen Geister umfängt ihn, doch er kann seine Unruhe erst ablegen, als seine Gattin, von den Klängen seiner Leier angelockt, erscheint. Er schließt seine Augen und dreht sich um, nimmt sie an der Hand und läuft hinaus, ohne sich umzusehen.

Als sie bereits fast ans Tageslicht treten, klagt Eurydike, dass ihr Mann sie nicht ansehe, also nicht mehr liebe und sie lieber in die Unterwelt zurück­kehren wolle. Der gerührte Orpheus kommt nicht umhin, sich umzudrehen, und in diesem Moment bricht sie zusammen. Erneut beklagt er sein Leid und will sich erstechen; den gezückten Dolch entreißt ihm aber Amor, der Eurydike wieder­erwachen und die Oper glücklich enden lässt.
 

Unter dem Eindruck des Todes des italienischen Komponisten Gioachino Rossini im Jahre 1868 lud Giuseppe Verdi die seinerzeit zwölf bedeutendsten Komponisten Italiens zur Gemeinschafts­komposition einer Totenmesse ein, der sogenannten ›Messa per Rossini‹. Er selbst übernahm in diesem Requiem die Vertonung des Schlusssatzes, des ›Libera me‹. Die Uraufführung sollte am ersten Todestag Rossinis, 1869, in Bologna stattfinden. Zwar wurde die ›Messa per Rossini‹ fertiggestellt, eine Aufführung kam jedoch wegen widriger Umstände nicht zustande. Das Manuskript geriet daraufhin zunächst in Vergessenheit.

Erneut beschäftigte sich Verdi mit dem Requiem-Stoff, nachdem 1873 der Dichter Alessandro Manzoni verstorben war. Verdi offerierte der Stadt Mailand die Komposition einer Totenmesse, für Manzoni, die ein Jahr nach dessen Tod aufgeführt werden sollte. Die Stadt nahm dankend an. Nachdem Verdi 1871 mit der Oper ›Aida‹ einen bahn­brechenden Erfolg errungen hatte, der ihm auch in Deutschland endlich zur Anerkennung verhalf, komponierte Verdi die ›Messa da Requiem‹ als sein vorläufig letztes Werk.

Kirchenmusik hatte Verdi bis zu diesem Zeitpunkt lediglich während seiner ersten Ausbildungs­jahre, die damals schon dreißig Jahre zurücklagen, und bei der erwähnten Teil­komposition der ›Messa per Rossini‹ hervorgebracht. Angeblich studierte er während der Komposition der ›Messa da Requiem‹ in Paris die Requien von Mozart, Cherubini, Berlioz und weiteren Komponisten. Verdis Beitrag zur ›Messa per Rossini‹, das abschließende ›Libera me‹, wurde nun die Keimzelle für das gesamte Requiem. Verdi behielt ihn in leicht veränderter Form als Schlusssatz auch der neuen Komposition bei. Den A-cappella-Satz ›Requiem aeternam‹ für Solosopran und Chor aus der Totenmesse für Rossini verwendete Verdi im neuen Requiem im Orchester- und Chorsatz des ›Requiem aeternam‹ im Introitus. Die Vertonung des ›Dies irae‹ aus der älteren Komposition wurde dreimal für textgleiche oder -ähnliche Passagen der ›Sequenz‹ aufgegriffen. Verdi verwertete außerdem eine weitere Eigenkomposition, die in der Oper Don Carlos als Totenklage für Posa fungierte, im ›Lacrimosa‹.

Wie vorgesehen, fand die Uraufführung 1874 am ersten Todestag Manzonis in der Kirche San Marco zu Mailand statt. Noch im gleichen Jahr führte Verdi das Werk auch in Paris auf und brachte es 1875 nach London und Wien. Die deutschen Erst­aufführungen fanden im Dezember 1875 in Köln und München statt.

Verdis ›Messa da Requiem‹ wurde, wie Berlioz’ ›Grand Messe des Morts‹ und Brahms’ ›Ein deutsches Requiem‹, nicht mehr für den liturgischen Gebrauch, sondern allein für konzertante Aufführungen geschrieben; daher wird es oft auch ironisch als »Verdis beste Oper« bezeichnet.
 

Seit Ende der 60er Jahre wirken die Chöre der Christuskirche jährlich an einem Rundfunk­gottesdienst mit. Am dritten Adventssonntag um 10.00 Uhr findet in der Christus­kirche wieder ein Rundfunk­gottesdienst statt. Der NDR überträgt live die Kantate ›Meine Seele erhebt den Herren‹ (BWV 10) von Johann Sebastian Bach. Gemeinsam mit vier Gesangs­solisten musizieren die Evangelische Stadtkantorei Bremerhaven und das Bremerhavener Kammer­orchester. Die Predigt hält Superintendentin Susanne Wendorf-von Blumröder.

Bach komponierte die Kantate ›Meine Seele erhebt den Herren‹ 1724 in Leipzig für das Fest Mariä Heimsuchung, das am 2. Juli begangen wird. Ein unbekannter Dichter legte das Deutsche Magnificat seinem Text zugrunde. Bei der Komposition verwendete Bach den 9. Psalmton, der traditionell mit dem ›Lobgesangs der Maria‹ verbunden ist, ähnlich wie eine Choral­melodie.

Johann Rosenmüller wurde 1617 im Vogtland geboren und studierte um 1640 an der theologischen Fakultät der Leipziger Universität. Bald darauf wurde er an die dortige Thomasschule berufen, wo er um 1640 bis 1655 auch die Kantorats­dienste in der Vertretung des Thomas­kantors Tobias Michael versah. Ab 1651 war er Organist der Leipziger Nikolai­kirche, später auch an der Thomaskirche. Nachdem ihm 1653 schon Aussichten auf das Amt des Thomas­kantors eröffnet worden waren, wurde er im Mai 1655 inhaftiert und aller Ämter enthoben, da er dem Vernehmen nach mit mehreren Chorknaben »Sodomitische Knaben­schänden […] auf gut Italienisch« getrieben hatte. Rosenmüller gelang die Flucht zunächst nach Hamburg und dann nach Venedig. Hier baute er sich als Posaunist am Markusdom und auch als Komponist eine neue Existenz auf und nannte ich Giovanni Rosenmiller. Während seines 24-jährigen Aufenthaltes in der Lagunen­stadt wurde er ein angesehener Mann. Eine Zeit lang war er Kapell­meister am Ospedale della Pietà, wo später Antonio Vivaldi wirkte. Aber auch seine Kontakte nach Deutschland brach er nicht gänzlich ab; so kam etwa 1673 Johann Philipp Krieger aus Bayreuth als Schüler zu ihm. 1682 kehrte Rosen­müller als Hof­kapell­meister des Herzogs Anton Ulrich von Braunschweig-Wolfenbüttel nach Deutschland zurück. Er verstarb zwei Jahre später in Wolfen­büttel.

Rosenmüllers ›Marienvesper‹ umfasst fünf große Psalmenvertonungen, ergänzende Motetten, zwei Instrumental­sonaten sowie das abschließende ›Magnificat‹. Sie zählt zu den bedeutendsten Meister­werken des 17. Jahrhunderts. In Rosenmüllers hoch­raffinierter, affektreicher ›Klangrede‹ finden religiöse Innigkeit und festliche Pracht­entfaltung zu einer höheren Einheit zusammen.

Das Johann Rosenmüller-Ensemble ist ein international renommiertes Instrumental­ensemble mit einzigartiger Besetzung. Es wurde 1995 von dem Zinkenisten Arno Paduch in Leipzig gegründet. Mit dem farbigen Klang von Zinken, Barockviolinen, Renaissance-Posaunen, Violone, Dulcian, Harfe, Chitarrone, Orgel unterstreichen die Musiker Rosenmüllers ›sprechende‹ Kompositionen und machen damit deren Gehalt besser begreifbar.